Musicien indépendant et polyvalent issu du conservatoire supérieur de Paris, Baptiste Thiébault joue dans de nombreuses formations, aussi bien orientées vers l’improvisation libre, le free jazz et l’expérimentation que vers le rock, la musique contemporaine ou d’autre influences éclectiques : son propre quartet (Baptiste Thiébault Quartet), Trion, le Rising Cloud Orchestra, Nahima, Yolande, LEONEsauvage, Camion Rouge Symphonique, Manuel Villarroel Trio… Parallèlement, il développe des collaborations avec le monde du théâtre, notamment lors des impros lettrées du groupe EVA, trio d’improvisation libre augmenté de deux comédiens. Il compose et joue pour le spectacle Blue Train avec la compagnie Les culs de jatte de l’espace et rejoint la compagnie du Théâtre de la suspension pour le spectacle Four corners of a square with its center lost puis Vestige(s) de l’Arrière-Monde. Il rejoint aussi la compagnie de danse contemporaine Sospeso avec laquelle il crée Le Bruit de ses Pas, et compose pour le spectacle de cirque R=OG de la compagnie Nawar.

Né à Santiago du Chili, Juan Villarroel découvre sa passion pour la musique à 8 ans. Il entre
rapidement dans un conservatoire en guitare classique, puis se passionne pour la basse électrique et
la contrebasse à l’École Supérieure de Jazz de Santiago dans la classe du bassiste Christian Galvez.
À l’obtention de son diplôme, il enseigne deux ans dans cette école et se produit professionnellement sur la scène musicale chilienne. En 2016, il intègre la classe de Jazz de Riccardo del Fra dans le Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris (CNSMDP). Il y côtoie en masterclass des musiciens tels que Mark Turner, John Patitucci, Jim McNeely, etc. En 2021, Il obtient son diplôme de master en Jazz du CNSMDP. A présent, Il fait partie de l’Orchestre
National de Jazz des Jeunes pour la saison 2020-2021. Il travaille aussi à Paris dans différents
projets autour du jazz et des musiques actuelles tels que le Jo Kaiat Trio (Jazz World), Angelo Maria
(afrobeat) ou Fustige (Jazz-Rock).

Né en 1992 de parents mélomanes, Paul Cépède grandit en écoutant Mozart, MC Solaar, Joshua Redman, ou encore Frank Zappa, mais c’est en découvrant les Beatles, son premier grand choc, qu’il commence la guitare à l’âge de 7ans. Il étudie le jazz dans divers conservatoires et sort du CRR de Paris en 2015, DEM Jazz en poche. Ses multiples expériences musicales lui permettent de développer de nombreuses facettes d’accompagnateur ou soliste ainsi que compositeur dans des styles comme la pop, le reggae, la funk, la soul, la chanson française, le rock ou le jazz. Paul a pu être aperçu aux côtés d’Amandine Bourgeois, Murray Head, Rose, Adan Jodorowsky, Yann Destal (Modjo), L.E.J, ou en tant qu’accompagnateur du Sankofa Soul Contest. Il est aussi co-leader du groupe Puissant Blaster, et membre du Ptit Rockeur Trio, et compositeur de musique à l’image depuis 2018.

Italienne d’origine, Katia Schiavone est une guitariste de jazz formée à Naples, ville où elle a grandi, mais surtout durant les nombreux voyages et villes où elle a vécu, notamment Londres et Paris, où elle habite actuellement. Elle est active avec plusieurs projets, notamment son trio avec lequel elle se produit dans les clubs de la ville Parisienne, en Italie et ailleurs.
En 2020 elle rejoint le fameux trio de jazz français “Reinhardt Memories” du guitariste manouche Noé Reinhardt, avec Samy Daussat. Ils enregistrent en 2021 un album produit par le label “Ouest”.

Découvert sur la ligne 6 du métro parisien, Marvin Parks, The American Jazz Singer quitte New York avec un aller-simple pour Paris le 30 novembre 2014 et commence à chanter dans la station de métro la plus proche de son hôtel, Crimée. Il est intégré au programme RATP “Les musiciens du métro”. Depuis, il a enregistré plusieurs EP et un album éponyme “Marvin Parks”. Ses chansons s’inspirent du Great American Songbook.
En 2015, il crée le spectacle “Marvin Parks : The American Jazz Singer” dont il donne régulièrement des représentations.

Il s’initie très jeune au bandonéon en s’imprégnant, grâce à son père, des traditions de la musique populaire
d’Argentine. En 1982, il fonde le Sexteto Menor avec lequel il se produit dans les plus grandes salles de tango
de Buenos Aires. Pendant cette période, il joue avec les musiciens argentins les plus prestigieux. En 1991, il
s’installe à Paris et devient chef d’orchestre et arrangeur aux “Trottoirs de Buenos Aires”. Il est engagé
comme soliste pour des concerts et des enregistrements par de nombreux ensembles et orchestres qui
l’amènent à se produire dans le monde entier et dans de nombreux festivals. En France, il est régulièrement
invité en tant que soliste avec les musiciens de l’Orchestre de Paris. Il collabore avec les solistes du Royal
Opera House, Milva , Paolo Fresu, VaskoVassilev , Daniel Goyone, Tango Seis, Catherine Ringer, Michel
Piquemal. Musiques de films de Claude Lelouch, Patrice Lecomte, Albert Dupontel.

Jordan Olympus est un auteur compositeur interprète franco-malgache. Sa musique est à son image, un
savant amalgame de styles et d’éléments hétéroclites mêlant la douceur de sa voix, rehaussé par une
interprétation vocale dynamique aux couleurs urbaines.

Né à Madagascar d’une famille de musiciens, son univers est une passerelle qui affirme son identité, partagé
entre son éducation issue de la Réunion et de la Métropole, et ses racines africaines qu’il affectionne
particulièrement. Motivé et fortement inspiré par des figures musicales de la scène internationale, tels que la
rappeuse MIA, ou encore Beyonce, il oscille avec agilité entre pop et R’n’B.

Véritable autodidacte, il apprend seul la composition musicale. Du clavier à la M.A.O., l’artiste se lance dans
ses premières créations, accompagné par un organisme parisien spécialisé dans la professionnalisation
d’artiste. Naturellement, Jordan Olympus enchaîne les petites scènes et les sessions studio, et façonne
l’esthétique de son univers en s’appuyant sur sa formation en école de cinéma.

Marqué par la perte de sa mère en Février 2020, cet événement le poussera à sortir ses premières
compositions. Ainsi, l’univers unique de Jordan Olympus repousse les frontières et s’affirme dans un registre
singulier et planant. Un début de carrière ultra-prometteur parfaitement illustré dans The Ascension, un
premier E.P. 5 titres aux textes ciselés en Anglais et en Français aux lignes mélodiques marquantes et
envoûtantes.

Avec un univers instrumental entièrement à son image, on y retrouve en effet le métissage de Jordan
Olympus sans aucun compromis, jonglant avec dextérité entre sonorités africaines, et occidentales. Ici, on se
laisse divinement transporter dans un voyage de pop urbaine universelle grâce à un mélange d’intensité et de
sensibilité porté par des arrangements d’une précision sans équivalent.

Soucieux du moindre détail, Jordan Olympus porte également un soin tout particulier à l’esthétisme de son
univers. Une fois encore, ses racines sont omniprésentes grâce à une palette de couleurs d’une rare intensité
qui illustrent parfaitement son travail musical. Ce n’est d’ailleurs pas par hasard si son titre O.V.A a été choisi
pour une compétition de danse au Nigéria.

C’est donc sans aucune surprise que The Ascension a été divinement accueilli par le public, conquérant
d’emblée une presse nationale et internationale unanime par la même occasion. Demi-finaliste au tremplin
national Smart Music Tour au Supersonic, Jordan Olympus affiche désormais près 1 million de vues sur
Youtube, dont plus de 300 000 pour Gold Cowries, son dernier single.

Ainsi, l’artiste ne pouvait espérer mieux pour son entrée en lice dans le monde de la musique professionnelle.
Empli de rêves et d’inspiration sans limites, Jordan Olympus réserve bien d’autres pépites musicales à qui
entrera dans son univers.

Née en 1991, Beverly Bardo grandit à Montmagny dans le Val d’Oise, en région parisienne. Chanteuse, autrice et compositrice, elle voue un amour considérable à la musique depuis l’enfance : d’origine haïtienne, elle est bercée par le kompa, mais aussi par les courants de la nouvelle génération que sont le RnB, le Hip Hop et l’Afro.

En 2014, elle est adoubée par la scène underground parisienne et se produit dans plusieurs clubs soul. Dotée d’une grande musicalité et d’une voix apaisante, des portes professionnelles s’ouvrent rapidement à elle.
En 2015, elle intègre la formation du “Mouv’ live show”.
En 2019, elle fait la première partie d’Eric Benet au Bizz’art, puis celle de Yoan au Café de la Danse.

En 2020, elle prête sa voix sur l’album “Addicted to you” de Ben L’oncle Soul. Beverly Bardo se lance alors un défi : écrire et interpréter en créole haïtien son premier EP.
C’est donc avec « Haitian Honey », qui sort en Septembre 2020, que la jeune chanteuse rend hommage à sa culture et ses racines. Grâce au succès du single “Sé ou mwen vlé”, elle interprète en live plusieurs de ses titres, mais aussi des covers comme “911” de Wyclef Jean arrangé par DJ Jacks et Hesses.

Inspirée par Her, Drake, Major Lazor ou encore Burna Boy, la chanteuse s’exprime sur des chansons aux sonorités plus urbaines, teintées d’influences afro et rnb. Dans ce nouvel opus, le créole laisse place cette fois au français.
« Jojo », le premier single de cet EP, illustre parfaitement cette fusion entre le kompa et la musique afro. Sur « Mamadou », le son se fait moderne et sensuel. Tout comme le clip qui met à l’honneur le voguing.
Aujourd’hui, c’est le titre « Yenny » qui est mis à l’honneur avec un clip aux accents cinématographiques, pour une expérience aussi bien visuelle que auditive.

Née en Pologne en 1971, je vis en Haute-Marne depuis plus de trente ans.

Attirée par la création, influencée par la musique et notamment le jazz, j’expérimente sans cesse de nouveaux univers artistiques.

Ayant été comédienne au Théâtre Laboratoire TEC de Paris, mon travail au sein de la troupe m’a ouvert la voie de l’émotion.

Proche de la nature, je me laisse guider par mon intuition dans un processus créatif.
Mes gestes tout en restant naturels, me permettent développer mon propre langage.

La feuille blanche, neutre, ouvre le champs à la couleur, aux formes et à l’inspiration, j’ose sans crainte ni jugement explorer mon univers.

J’ai terminé mes études en chimie et physique parce que ça faisait bien sur un CV, et que je n’avais pas encore trouvé le moyen de canaliser mon énergie en assumant de ne pas être dans le cadre.

J’ai mis du temps à identifier mon moteur, ce qui m’a fait passer par des métiers variés - la recherche scientifique au CNRS, la prévention des risques en milieu industriel, l’hygiène et la sécurité à l’université en tant que fonctionnaire, puis après démission l’ingénierie pédagogique, l’audit et l’enseignement en fac. En cherchant à donner du sens à ce parcours, j’étudie la philosophie, la PNL, l’hypnose éricksonnienne, les modèles de description de la personnalité (ennéagramme, MBTI, Process Com, …) et toute sorte de sujets, des plus rationnels au plus ésotériques, sur le fonctionnement du monde et de l’Homme. Jusqu’à la découverte de ce moteur et de la discipline qui me permettrait de tirer le meilleur de tout ce que j’avais appris, en théorie comme en pratique : l’humain et l’improvisation théâtrale.

J’intègre une ligue d’improvisation bordelaise - la LICOEUR - en 2009, je participe à la création de la BIP (Bordeaux Improvisation Professionnelle) en 2011, et depuis je joue. Beaucoup, en amateur puis en professionnel, au gré des rencontres, des formations, et du cumul d’expérience : masterclass sur les histoires qui nous touchent et qui traversent le temps, exploration de nouvelles formes d’improvisation en France et au Québec, animation d’ateliers hebdomadaires pilotés dans un cadre utopique, animation de stages pour tout niveau dans le monde, création du spectacle Mes Mots Rient qui associe impro, musique et dessin … Je voyage, beaucoup aussi, pour jouer et partager avec des femmes et des hommes fabuleux, en Europe et outre-atlantique. J’ai finalement pris les commandes d’un théâtre dédié à l’impro à Avignon (IMPROVIDENCE) avant que les conditions sanitaires mondiales ne me contraignent à un nouveau rebond.

L’improvisation a changé ma vie ; et si je sais pertinemment qu’elle n’a pas vocation a sauver tout le monde, je sais aussi que les valeurs avec laquelle je la pratique reste ma meilleure contribution à rendre le monde plus cool. A mon échelle en tout cas.

Musicien indépendant et polyvalent issu du conservatoire supérieur de Paris, Baptiste Thiébault joue dans de nombreuses formations, aussi bien orientées vers l’improvisation libre, le free jazz et l’expérimentation que vers le rock, la musique contemporaine ou d’autre influences éclectiques : son propre quartet (Baptiste Thiébault Quartet), Trion, le Rising Cloud Orchestra, Nahima, Yolande, LEONEsauvage, Camion Rouge Symphonique, Manuel Villarroel Trio… Parallèlement, il développe des collaborations avec le monde du théâtre, notamment lors des impros lettrées du groupe EVA, trio d’improvisation libre augmenté de deux comédiens. Il compose et joue pour le spectacle Blue Train avec la compagnie Les culs de jatte de l’espace et rejoint la compagnie du Théâtre de la suspension pour le spectacle Four corners of a square with its center lost puis Vestige(s) de l’Arrière-Monde. Il rejoint aussi la compagnie de danse contemporaine Sospeso avec laquelle il crée Le Bruit de ses Pas, et compose pour le spectacle de cirque R=OG de la compagnie Nawar.

Contrebassiste et bassiste bordelais de 30 ans, Gabriel a multiplié de nombreuses
expériences musicales et scéniques. Il a joué notamment avec Roy Hargrove, Saul Rubin, Kush
Abadey, Plume, Léon Parker, Alain Jean-Marie et collabore avec plusieurs groupes en France. Les
nombreux voyages et concerts qu’il a effectué à l’étranger ont permis d’enrichir sa culture et son
ouverture musicale (New-York, Brésil, New-Orleans, Cuba, Europe…)

Tony Tixier, pianiste, compositeur, artiste Yamaha, a joué avec un large éventail de musiciens majeurs d’Andrea Bocelli, Alpha Blondy, Gregory Porter à Wallace Roney, Christian Scott, Seamus Blake, Logan Richardson, Mino Cinelu, Keyon Harrold, Etienne Charles, Kendrick Scott, Jon Batiste… Il a joué notamment au Radio City Music Hall, l’Apollo Theater de NYC, le Tonight Show avec Jimmy Fallon, Jimmy Kimmel live, Blue Note NYC, Jazz in Marciac, Jazz à Vienne et le légendaire Ronnie Scott’s à Londres. Il a fait la première partie d’Herbie Hancock au Festival Jazz En Tête de Clermont-Ferrand avec son frère jumeau, le violoniste Scott Tixier. Tony et Scott Tixier ont été recommandés par Jason Moran pour jouer pour une commande de l’artiste Janet Cardiff et ont ainsi composé la musique de ce projet qui faisait partie du programme inaugural de la Fondation Louis Vuitton Paris (architecte Frank Gehry). En 2017, Tixier est devenu ambassadeur de Hennessy VSOP et a écrit la musique de la nouvelle campagne en collaboration avec BJ The Chicago Kid. En 2018, son album en trio Life of Sensitive Creatures avec le bassiste Karl McComas-Reichl et le batteur Tommy Crane sur Whirlwind Recordings. En 2021 il sort I AM HUMAN et MOONSHINE sur le label Tixmusic/ Whirlwind Recordings.

Pianiste, arrangeur, compositeur et parolier, ce franco-britannique d’origine russe puise son inspiration aussi bien dans la musique classique de son enfance que dans le jazz qui l’a vu grandir. Les oreilles et le cœur grand ouverts à toutes les musiques actuelles qui l’entourent, il multiplie les collaborations avec les jeunes créateurs du moment : la révélation parisienne Lou Tavano, le brésilien Diogo Strausz (Voyou), le réunionnais Bastien Picot (Aurus), la réalisatrice marquisienne Ory Meuel…
Petit-fils du compositeur et chef d’orchestre écossais Jack Lockhart, Alexey Asantcheeff commence l’étude du piano classique à l’âge de 6 ans, sous l’égide de la pianiste italienne Carla Segalini. I
l complète sa formation jazz au sein de l’American School of Modern Music de Paris, avant de suivre l’enseignement de Pierre Bertrand (Paris Jazz Big Band, Nice Jazz Orchestra…) avec qui il explore l’orchestration pour Big Band. Ses arrangements attirent notamment l’attention de Stan Laferrière (Grand Orchestre de Jazz de l’Armée de l’Air). Il suit en parallèle les cours d’orchestration classique de David Lampel, et explore le langage harmonique modal auprès du professeur hongrois Emil Spanyi.
Il co-signe notamment, en collaboration avec Lou Tavano, toutes les compositions du disque “For you” paru en mars 2016 sur le label allemand ACT, et reçoit la reconnaissance de la presse française et européenne pour le premier album de la jeune chanteuse.

“Un nouveau chanteur de jazz, avec un parfum de noir et blanc »
Un jazz joyeux et attirant, qui plaît aux amateurs du genre, comme à tous ceux qui découvrent ce style de musique ! Aussi bien en version «swing à la française» avec guitares manouches ou « jazz-band américain » avec piano acoustique, batterie et cuivres, c’est l’énergie et la virtuosité de ce chanteur qui nous font vibrer. À l’écoute, le charme de sa voix opère par la douceur communicative de son timbre, soutenu par une étonnante aisance vocale du grave à l’aigüe.
Son swing est porté par un double répertoire : les classiques du genre et ses compositions personnelles. Uniques en son genre, les interprétations de David Adom ne ressemblent pas au style de Jamie Cullum aux résonances pop jazz, ni à celui, plus Broadway, de Michael Bublé, ou encore moins aux performances extraordinaires d’Harry Connick Junior. On découvre ici la voix d’un « fou chantant » sincère et passionné, un nouveau chanteur de jazz moderne mais avec un parfum de noir et blanc.

Carl-Henri Morisset est un pianiste né en 1992 à Paris. Il commence par étudier la clarinette puis le saxophone avant de se consacrer au piano à l’âge de 9 ans. Il rentre au conservatoire de Paris en 2012 où il étudie notamment avec Riccardo. Del Fra avec qui il se produit dans différents projets depuis 2014 (My Chet, my song, Moving People). Il se produit régulièrement en Europe (Bimhuis, Amsterdam, Ronnie’s Scott, Londres…) et dans le monde (New Orleans Jazz Festival, Festival International de Jazz de Montréal…) en tant que sideman de Riccardo Del Fra mais aussi d’Archie Shepp avec qui il partage la scène depuis 2015 dans ses différents projets (Attica Blues, Archie Shepp Quartet…) et avec des guests tels que Mos Def, Randy Brecker, Reggie Washington, Jamaladeen Tacuma ou encore Hamid Drake. Depuis 2016, il a enregistré 7 albums en tant que sideman : avec le quartet de Pierrick Pedron avec Thomas Bramerie et Greg Hutchinson, avec le trio de Thomas Bramerie, le projet Moving People avec Jason Brown, Kurt Rosenwinkel, Jan Prax, Tomasz Dabrowski et Rémi Fox, la chanteuse Estelle Perrault et un groupe composé de musiciens issus du CNSM, H ! Quartet (Bastien Weeger, Étienne Renard et Élie Martin-Charriere). En 2019, il est sélectionné par Jazz Magazine parmi les 20 pianistes à suivre et fait partie des trois révélations de l’année.

Un batteur de la Nouvelle-Orléans vivant à Paris qui a joué avec des grands du jazz comme Wynton et Branford Marsalis, Randy Brecker, Rick Margitza, Toots Thielemans, Jean Michel Pilc, Melody Gardot… etc. Un rythme magique !

On ne le dira jamais assez, toute musique est à l’image de celui qui l’écrit ou la conçoit. Elle se nourrit de l’environnement, de l’état d’âme, des traditions et de la vie. Celle du bassiste Mike Clinton en est l’illustration.
Mike est issu d’une famille de musiciens. Il va naître de la relation entre son père, Jean-Yves Messan, bassiste d’origine gabonaise et sa mère, Esther Clinton-Celini, chanteuse et danseuse guadeloupéenne. Les deux se rencontrent lors d’une tournée d’Alan Chelly, un chanteur de rhythm’n blues originaire de la Caraïbe. Très tôt, le jeune Mike se familiarise à la musique. « J’avais bien évidemment une prédisposition pour la musique, se souvient-il. Je trouvais des mélodies dès l’âge de 4 ans. Dans la famille de ma maman, il n’y a que des musiciens. J’ai un oncle, Gabriel Clinton, qui est guitariste de jazz, un autre, Christian qui est aussi bassiste, ma grand-mère et ma mère, chantaient à la chorale. J’étais entouré d’instruments de musique et de vinyles. Ma grand-mère avait une immense maison familiale où tout le monde se retrouvait. » C’est ainsi qu’il va naturellement s’intéresser au piano tout en pratiquant le football. Il raconte : « En allant en Guadeloupe où j’ai passé mes années collèges au Lamentin, je me suis cassé le bras à un entrainement de football. Comme je devais faire de la rééducation, ma grand-mère, kiné, m’a recommandé de faire de la guitare pour renforcer mon bras. J’ai emprunté la basse d’un ami dans le quartier, je me suis mis à travailler dessus en écoutant le groupe Sixun, et tous les concerts « live ». J’y ai pris goût, et avec ce copain Jean-Luc Arstand, nous avons commencé à faire nos propres sons. Mon oncle nous apprenait des petites choses. Je me suis pris au jeu et j’ai adopté la basse. »
Musicalement, le jeune artiste se sent proche de Marcus Miller, mais aussi de Michel Alibo, Pino Palladino ou encore Etienne M’Bappé, Guy N’Sangué, Richard Bona …

Le jeune passionné est conscient que pour se rapprocher du niveau de ses idoles, il faut qu’il se perfectionne. Il comprend très vite que seul le travail lui permettra d’arriver à sa fin. « Je suis revenu à Paris et me suis inscrit au Conservatoire à Saint-Denis. Je voulais travailler le solfège et l’harmonie. » Il créé alors des lignes de basse sur les rythmes du batteur ivoirien Paco Séry, mais explore également les musiques haïtiennes, africaines, antillaises telles que le gwoka, le zouk, le chouval bwa …, afro-américaines comme la soul et le rhythm’n blues et bien sûr le jazz.

De retour à Saint Denis quelques années plus tard, Mike intègre le milieu de la musique. Sur recommandation de Michel Alibo, un agent de musicien et manager, Fred Labiche, le repère et le contacte pour former le groupe C’Kans’, avec le chanteur Thierry Marthély, Marc Chery, Béatrice Poulot, Patrick Boston, Dominique Belleri, Lawrence Claïs… Très vite, il est embarqué dans des tournées aux Antilles et sa réputation ne tarde pas à grandir. « On a joué avec Jean-Philippe Marthély, Thierry Vaton, Patrick Saint-Eloi, Jean-Luc Guanel, Marie-Céline Chroné, j’avais 19 ans. Et nous avons fait un album avec le groupe C’Kans’ sorti en 1994. C’est comme ça que j’ai mis les pieds dans le milieu. Ça nous a permis de tourner aux Antilles. Puis on a commencé à m’appeler, Ronald Rubinel, Jean-Luc Alger … Puis Edith Lefel m’a pris pour sa tournée en 1996 et le fameux concert à l’Olympia, ensuite c’était parti. J’ai aussi joué avec Tanya Saint-Val, Tony Chasseur et beaucoup d’autres artistes de la diaspora afro-antillaise. »

Paris étant le carrefour de la musique Africaine, Mike se devait d’y être pour se confronter aux rythmes de ses ancêtres. Il y fait la connaissance de nombreux musiciens et croise la route du chanteur malien Salif Keita. Il raconte cette anecdote : « Salif cherchait un bassiste, son réalisateur lui a conseillé de passer me voir. Il s’avère que Salif connaissait déjà le travail de mon père. J’étais en train de faire les basses sur l’album de Djeli Moussa Kouyaté qui était aussi son guitariste. Je n’étais pas prévenu, je l’ai vu de dos. J’ai fait ma séance, j’étais surpris de le rencontrer. Nous avons discuté. Il est revenu le lendemain, nous avons mangé ensemble, échangé, j’étais à l’écoute. Puis il m’a dit : « Mon fils, que fais-tu dans l’année ? Je me suis mis à réfléchir. Il a répété. Que fais-tu dans les 2 années à venir ? J’aimerais te prendre avec moi en tournée. C’était ma première grande tournée dont Mino Cinélu était le chef d’orchestre. Puis le batteur et ami Roger Biwandu a intégré la formation. Je suis donc resté avec Salif Keita de 2005 à 2009. » Ainsi, le jeune bassiste grandira auprès de l’un des plus grands chanteurs d’Afrique. « J’ai appris énormément de choses sur les musiques maliennes et africaines », insiste-t-il.

Ces deux écoles, antillaise et africaine, font partie intégrante de l’ADN de Mike Clinton. Il s’en défend et les assume. « Ces deux parties, africaine et antillaise, fonctionnent tellement bien ensemble qu’elles sont devenues ma signature musicale. C’est ce qui est en moi. Les gens la reconnaissent lorsqu’ils m’entendent. »

Fort de ses expériences, le bassiste multiplie les collaborations en tant que sideman : Saïan Supa Crew, Raul Midon, Les Nubians, Kassav, Toups Bebey, Féfé, Delasoul, « M » Mathieu Chedid (Lamomali), Vianney, Gaëtan Roussel et bien d’autres…

Aujourd’hui, Mike signe un premier album solo très personnel intitulé Koleksyon, produit par Sidney Regal pour le label Black Stamp Music. Il raconte l’aventure : « J’avais envie de travailler de façon spontanée. Je fais souvent des brainstormings avec le producteur, Sidney Regal, qui est aussi un grand mélomane. Ce premier projet raconte la Caraïbe et l’Afrique. Le but de nos rencontres est de savoir qui on a envie d’inviter, comment développer des morceaux qui puissent regrouper tous ces Mondes. Mon but est de mélanger des artistes africains, créoles, français et même anglophones. Avec ma manière de faire, j’ai pensé à des artistes qui m’ont fait et vu grandir, et j’ai créé des musiques en mélangeant des rythmes d’Afrique avec des codes de la musique antillaise et de la pop music. J’ai invité des icônes de la Caraïbe comme Dédé Saint-Prix, Tanya Saint-Val, Tony Chasseur… mais j’espère aussi pouvoir inviter des artistes venant de tous ces horizons. » Ainsi le créole côtoie les langues africaines, françaises et anglaises. « J’aimerais que ce beau mélange donne envie de voyager mais surtout de créer des ponts entre ces cultures. »

Anaïs Petit a été révélée grâce à ses chroniques sur EUROPE 1 et dans “VIVEMENT DIMANCHE” sur FRANCE 2 en duo avec Marc-Antoine Le Bret, et a également été l’une des voix des GUIGNOLS sur CANAL +.
On peut actuellement la retrouver sur CANAL + dans l’émission “DROLES D’IMITATEURS” avec Michael Gregorio, Gérald Dahan, Veronic Dicaire, et à partir du 25 février sur FRANCE 3 dans l’émission “LA FRITE”, avec Alex Vizorek et Gérémy Crédeville.

Musicien indépendant et polyvalent issu du conservatoire supérieur de Paris, Baptiste Thiébault joue dans de nombreuses formations, aussi bien orientées vers l’improvisation libre, le free jazz et l’expérimentation que vers le rock, la musique contemporaine ou d’autre influences éclectiques : son propre quartet (Baptiste Thiébault Quartet), Trion, le Rising Cloud Orchestra, Nahima, Yolande, LEONEsauvage, Camion Rouge Symphonique, Manuel Villarroel Trio… Parallèlement, il développe des collaborations avec le monde du théâtre, notamment lors des impros lettrées du groupe EVA, trio d’improvisation libre augmenté de deux comédiens. Il compose et joue pour le spectacle Blue Train avec la compagnie Les culs de jatte de l’espace et rejoint la compagnie du Théâtre de la suspension pour le spectacle Four corners of a square with its center lost puis Vestige(s) de l’Arrière-Monde. Il rejoint aussi la compagnie de danse contemporaine Sospeso avec laquelle il crée Le Bruit de ses Pas, et compose pour le spectacle de cirque R=OG de la compagnie Nawar.

Luca Fattorini, né à Rome et basé à Paris, a commencé l’étude de la contrebasse à l’âge de 12 ans. Il a pu étudier avec beaucoup de professeurs de renommée internationale comme Larry Grenadier, Ben Street, Ameen Salem, Ron Carter, Bruno Tommaso, etc. Durant sa carrière, Luca Fattorini a joué et enregistré avec des musiciens tels que Billy Harper, Gregory Hutchinson, Tom Harrell, Bill Smith, Danny Grissett, Joe Magnarelli, Vbanessa Rubin, Roberto Gatto, Rick Margitza, David Kikosky, Sheila Jordan, Rosario Giuliani, Enrico Pieranunzi, Gary Thomas, Nir Felder, Logan Richardson, Peter Schlamb, George Garzone, Alison Crocket, Alice Ricciardi, Zara McFarlane… Il s’est aussi produit dans de nombreux clubs et festivals italiens et internationaux : Umbria Jazz, Auditorium Roma Festival, Taormina Jazz, Atina Jazz, Casa del Jazz, Peperoncino Jazz, Blue Note Tokyo, Ronnie Scott’s (Londre), A-Trane (Berlin), Worm Jazz & Joy Festival (Allemagne), Duc des Lombards, Sunset Sunside, Italian Jazz Days (New York), Radio France, Istanbul Jazz Festival…

Un batteur de la Nouvelle-Orléans vivant à Paris qui a joué avec des grands du jazz comme Wynton et Branford Marsalis, Randy Brecker, Rick Margitza, Toots Thielemans, Jean Michel Pilc, Melody Gardot… etc. Un rythme magique !

Le voyage de l’auteur-compositeur-interprète britannique Stephanie O commence dans sa ville natale de Londres, sa curiosité a ouvert la voie à un périple musical plein d’aventures et de voyages. Elle s’inspire d’artistes qui ont senti, avant elle, l’attrait de Paris pour créer une nouvelle toile et donner libre cours a sa créativité. Après avoir fait ses adieux à son temps passé a chanter du swing-pop harmony au sein du groupe préférée de Michael Bublé: The Puppini Sisters, elle a ouvert un nouveau chapitre en tant qu’artiste solo.
Grâce à une longue période de développement musical et d’envie de se diversifier, elle s’est donné carte blanche, en collaborant avec un large éventail de musiciens et de projets: de l’écriture avec Tom Baxter [Shirley Bassey, Charlie Winston] à un bande originale de jazz/mini-orchestre entièrement improvisée sur un film muet mis en scène à l’emblématique salle de concert Barbican, à Londres. Sa curiosité de l’inconnu et son désir de se dépasser en tant que musicienne l’ont conduit vers une nouvelle direction.
Son premier single ‘Woman Oh’ était la bande originale vibrante de ces débuts. Puisant son influence dans ses racines jazz, c’est un mélange de joie de vivre avec une touche d’insouciance. Son lancement l’a vue se produire avec de nouveaux collaborateurs et amis au Palais de Tokyo dans un décor dont elle a toujours rêvé.
Son deuxième single ‘Roses’ produit par Peter Lyons [L.A Salami, Kal Lavelle] montre un aperçu d’un artiste qui est en contact avec elle-même et ce qui l’émeut. Sa simplicité lyrique dévoile un sujet plus lourd: Alep déchiré par la guerre. Le piano est vif et la basse énergique donnent ensemble un sentiment d’espoir et d’élan.
Cet élan continue de propulser Stéphanie vers de nouveaux projets. Elle a récemment travaillé comme contributeur invité avec le magazine culturel londonien Le Document. Une série de cartes postales (réelles et musicales) envoyées depuis sa nouvelle maison d’adoption à Montmartre. S’appuyant sur ses histoires et ses expériences de la vie à Paris en passant de la routine à l’inattendu, chaque carte postale est l’occasion de découvrir quelque chose de nouveau.
Stéphanie travaille actuellement sur un nouveau projet, avec une sortie prévue en 2022, qui incarne tout ce qu’elle est et célèbre tout ce qui est à venir.

(traduit par Lucien Robert)

École de musique Parisienne (Jazz et musiques actuelles)

Institution Parisienne depuis 1982, l’American School of Modern Music est une école de musique de haut niveau qui répond aux exigences du milieu musical actuel.

Elle forme des professionnels dans tous les métiers de la musique (instrumentistes, compositeurs, arrangeurs, interprètes, ingénieurs du son, producteurs, …) en s’inspirant des méthodes de travail et des programmes d’études des meilleures universités américaines.

Son équipe pédagogique unique en France est composée d’artistes internationaux renommés dans le monde de la musique possédant de nombreuses distinctions (Grammy Awards, victoires de la musique, chevalier des arts et des lettres, diplômes des plus grandes universités américaines,…).

Les indicateurs de la formation sont les suivants:

Nombres d’élèves reçus dans les grandes universités américaines en 2019: six au Berklee College of Music dont trois avec des bourses d’études supérieures à 30000$/an, un étudiant boursier pour la célèbre New School de New York, un étudiant reçu à Princeton University.

Nos objectifs pédagogiques sont déclinés en 19 modules/cours à valider pour l’obtention du diplôme (parmi les 51 modules disponibles à l’école)

Indicateurs de satisfaction de nos formations

Chaque année la remise de diplômes se tient dans une salle Parisienne de renom à la suite d’un concert public donné par les élèves diplômés en présence des professeurs et de la direction de l’école.

École de musique Parisienne (Jazz et musiques actuelles)

Institution Parisienne depuis 1982, l’American School of Modern Music est une école de musique de haut niveau qui répond aux exigences du milieu musical actuel.

Elle forme des professionnels dans tous les métiers de la musique (instrumentistes, compositeurs, arrangeurs, interprètes, ingénieurs du son, producteurs, …) en s’inspirant des méthodes de travail et des programmes d’études des meilleures universités américaines.

Son équipe pédagogique unique en France est composée d’artistes internationaux renommés dans le monde de la musique possédant de nombreuses distinctions (Grammy Awards, victoires de la musique, chevalier des arts et des lettres, diplômes des plus grandes universités américaines,…).

Les indicateurs de la formation sont les suivants:

Nombres d’élèves reçus dans les grandes universités américaines en 2019: six au Berklee College of Music dont trois avec des bourses d’études supérieures à 30000$/an, un étudiant boursier pour la célèbre New School de New York, un étudiant reçu à Princeton University.

Nos objectifs pédagogiques sont déclinés en 19 modules/cours à valider pour l’obtention du diplôme (parmi les 51 modules disponibles à l’école)

Indicateurs de satisfaction de nos formations

Chaque année la remise de diplômes se tient dans une salle Parisienne de renom à la suite d’un concert public donné par les élèves diplômés en présence des professeurs et de la direction de l’école.

Issue d’une famille d’artiste, la violoniste se forme parallèlement en classique et en jazz. Diplômée du Pôle supérieur de Paris elle se produit en Province et à Paris dans des programmes allant du jazz au classique quand ils ne sont pas teintés de ces deux couleurs.
Repérée dans plusieurs tremplins elle est aujourd’hui signée sur le label d’Art District Radio ou elle travaille sur son deuxième album en quartet.

Jeune pianiste israélienne arrivée en France à l’âge de 7 ans, Nina Gat commence le piano classique à 9 ans avec Eriko Renaud-Arima et intègre le Conservatoire Darius Milhaud d’Aix en Provence. En parallèle de sa formation classique, Nina étudie le jazz à l’IMFP de Salon-de-Provence et au Conservatoire Darius Milhaud en double cursus Jazz et Musiques Actuelles Amplifiées. Elle obtient également son MIMA en 2017 et intègre en septembre 2019 le CMDL. Elle enseigne le piano et joue maintenant dans plusieurs projets avec des styles et formations variés. Ses influences principales vont de Bill Evans et Chet Baker à Shai Maestro en passant par Brad Mehldau, Lianne La Havas, et Norah Jones. Développant un intérêt grandissant pour l’arrangement, Nina Gat s’inspire de Nelson Riddle et écrit régulièrement pour des moyennes formations, quatuors à cordes et ensembles vocaux.

Matis a commencé la pratique de la basse électrique à l’âge de 15 ans. Autodidacte les premières années, il a ensuite suivi un cursus professionnel dans l’univers du Jazz et des Musiques actuelles à l’IMFP de Salon-de-Provence avant d’étudier la contrebasse au Centre des Musiques Didier Lockwood (CMDL). Les nombreuses formations qu’il a intégrées durant ces dernières années (en France, Allemagne, Belgique et Italie) lui permettent de profiter aujourd’hui d’une grande expérience de la scène, du studio et de l’improvisation. Il a notamment collaboré avec Perico Sambéat au sein du Big Band Européen, ainsi qu’avec Baptiste Herbin, André Charlier, Benoit Sourisse, Raphaël Imbert, Tom Ibarra, Pierre Perchaud, Stephane Guillaume, Ann Malcolm… Lors de l’été 2019, Matis a été sélectionné pour participer au dispositif de l’International Association of School of Jazz, dirigé par Dave Liebman.

Dés son plus jeune âge, Simon s’intéresse beaucoup à la musique, notamment poussé par ses parents qui lui font découvrir une grande variété de musiques. Il est diplômé du conservatoire de Rennes en 2018 (DEM) avec félicitations du jury en juin 2018. Au long de son parcours musical, Simon ira au delà du jazz en allant explorer un grand nombre d’autres univers musicaux tels que le rock, le funk, le blues, le hip hop les musiques du monde ou encore la musique traditionnel bretonne. Simon joue dans un grand nombre de formations avec lesquelles il se produit régulièrement et enregistre des albums comme notamment un 4 titres avec le trio de jazz moderne White From Black, un 12 titres avec Les Joyeux fusibles (rock/punk) au studio Kerwax, un 7 titres dans le trio de Sylvain Le Ray, un 9 titres avec le groupe de Gowka/jazz Ginko Biloka. Enfin, Simon est, en plus de son rôle d’interprète aussi parfois arrangeur pour certaines formations et depuis peu compositeur avec son 4tet de jazz moderne monté en janvier 2018 avec lequel il est lauréat « freshsound » dans le festival Jazz à l’étage 2020.

Sylvain Le Ray est né en 1996 au sein d’une famille de musiciens et est très tôt attiré par la musique. Après des débuts en écoles de musiques, il commence à jouer en orchestre et rejoins ensuite le conservatoire où il se prend de passion pour le jazz. En parallèle du conservatoire il obtient également sa licence de Musicologie en 2017 à l’universtié de Rennes 2. En 2018, il est diplômé du conservatoire et obtient DEM avec les félicitations du jury. La même année il sera marqué par la rencontre avec le pédagogue Barry Harris et également le pianiste Omri Mor. Il rejoint ensuite le CMDL (Centres des Musiques Didier Lockwood) où il suit l’enseignement de Benoît Sourisse, André Charlier, Thomas Enhco, Fred Nardin, Pierre de Bethemann… et sort diplomé en 2021. En janvier 2019, il sort un album (9 titres) avec le groupe de Gow-ka Jazz Ginko Biloka. En 2020, le pianiste sort son premier album à son nom en trio (remarqué notamment par JazzMag et France musique) Il a joué dans plusieurs groupes de différents styles : Funk, pop, jazz, musique traditionnelle bretonne, électro, rock/folk, salsa, musiques brésiliennes, variété française, musique guadeloupéenne, big-band…

Le groupe est une explosion de sons. - C’ammafunk s’appuie sur les fondations édifiantes et pionnières d’artistes comme James Brown, en insufflant à son son frais des saveurs de jazz, de hip-hop, de psychédélisme et aussi des nuances rock. Avec la sortie de 2022’s Bouncing, le groupe a clairement défini sa mission. L’album met le groove au premier plan, avec des lignes irrésistibles et percutantes qui sous-tendent la façon de rebondir du groupe. Avec des collaborateurs invités - L.Teez du Canada (sur Fly High), Gianfranco Campagnoli [Richard Bona, Mario Biondi etc.] et Roberto Schiano comme section de cuivres supplémentaire - Bouncing montre la capacité du groupe à créer des grooves séduisants et dansants et une énergie contagieuse (l’héritage de JB). Cela se ressent également dans chaque spectacle qui donnent l’occasion de se lâcher et de se connecter. Après s’être formé en 2017, C’ammafunk a tout de suite commencé à prendre la scène nationale en montant des concerts et des spectacles réussis à travers l’Italie et l’Europe. “Notre objectif est toujours de communiquer et de donner au public les bonnes vibrations sans perdre ce qui se passe entre nous. Nous aimons les moments ouverts… “Nous aimons les moments d’ouverture, les moments de jazz, dans nos morceaux, car nous pouvons expérimenter en temps réel et voir où la réponse du public nous emmène, en poussant toutes les vibrations. Le son est assez contaminé par les tendances modernes, avec l’utilisation de synthés, d’effets sur les cuivres et de guitares croustillantes et larges. Bien sûr, le groove, le rebondissement, c’est ce que nous visons en premier lieu !” -

Musicien indépendant et polyvalent issu du conservatoire supérieur de Paris, Baptiste Thiébault joue dans de nombreuses formations, aussi bien orientées vers l’improvisation libre, le free jazz et l’expérimentation que vers le rock, la musique contemporaine ou d’autre influences éclectiques : son propre quartet (Baptiste Thiébault Quartet), Trion, le Rising Cloud Orchestra, Nahima, Yolande, LEONEsauvage, Camion Rouge Symphonique, Manuel Villarroel Trio… Parallèlement, il développe des collaborations avec le monde du théâtre, notamment lors des impros lettrées du groupe EVA, trio d’improvisation libre augmenté de deux comédiens. Il compose et joue pour le spectacle Blue Train avec la compagnie Les culs de jatte de l’espace et rejoint la compagnie du Théâtre de la suspension pour le spectacle Four corners of a square with its center lost puis Vestige(s) de l’Arrière-Monde. Il rejoint aussi la compagnie de danse contemporaine Sospeso avec laquelle il crée Le Bruit de ses Pas, et compose pour le spectacle de cirque R=OG de la compagnie Nawar.

Enzo Carniel est un pianiste de jazz Français né en 1987. Il commence l’étude du piano classique et découvre le jazz pendant l’adolescence. Après cinq années de Médecine à la Faculté de Marseille, il décide de se consacrer entièrement à cette musique, il est médaillé en 2009 au CNR de Marseille. Il rejoint alors le Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris dans la classe de Jazz et Musiques improvisées. Il obtient en juin 2015 le premier prix (master d’interprète) du CNSMDP et le prix d’improvisation générative. Ses recherches et toutes ses collaborations donnent naissance au quartet “House of Echo” ou se mêlent longues plages improvisées et compositions. Influencé par Paul Bley, Thelonious Monk, Keith Jarrett, et les grands pianistes l’histoire du jazz, il tente d’explorer les palettes sonores et les possibilités intrinsèques du piano. Son approche est basée sur la naissance au moment présent d’idées musicales, dans le non jugement esthétique : une approche “brute” de l’improvisation utilisant toutes ses influences et sensations. Dans ce même temps, Enzo Carniel s’intéresse à la musique contemporaine, la musique improvisée, ainsi qu’à la musique électronique, desquelles il va s’inspirer dans son processus de composition et son identité personnelle artistique. En 2014, en collaboration avec le label NoMadMusic, il enregistre sont premier disque en piano solo appelé Erosions. Le premier septembre 2017 sort le second opus de son quartet House of Echo, Echoïdes sur le label Jazz&People. Le disque est acclamé par la presse et les médias. En 2019, Enzo Carniel fait partie du dispositif JazzMigration#4, il est en tournée dans toute l’Europe mais aussi en Amérique du Nord (French Quarter organisé par Paris Jazz Club) durant toute l’année. Cette tournée d’un an donne naissance à l’album WALLSDOWN, concept de musique futuriste, sorti en avril 2020, qui mêle le jeu du quartet acoustique, avec de la musique électronique, du sound-design, et de la production. Il explore des chemins encore vierges du jazz, mêlé à la musique ambient, et aux musiques actuelles.

Né à Otranto, Italie en 1982, Matteo Bortone commence la musique à 8 ans lorsqu’il prend ses premiers cours de piano classique. Il continue par la guitare à 12 ans, puis il passe à la basse électrique à 13. Au cours de ces premières années, Matteo se nourrit d’une tradition musicale fortement influencée par le rock et le blues. Après le bac, il vit pendant 5 ans à Milan où en 2005 il obtient un diplôme en Science du Tourisme à l’Université. Parallèlement, il s’intéresse au jazz et commence à jouer de la contrebasse; il prend également des cours avec Massimo Moriconi et Paolino Dalla Porta. En 2005 il déménage à Paris et en 2007 il obtient son DEM en Jazz à l’ENMD de Montreuil et au Conservatoire du IXème arrondissement. La même année il réussit le concours d’entrée au CNSMDP; il rejoint donc la classe de Jazz et Musiques Improvisées dirigée par Riccardo Del Fra d’où il sort en 2011 avec un Diplôme de Master. Aux masterclasse de Siena Jazz 2008, il est sélectionné pour représenter l’Italie au XIX Meeting of International Association of Schools of Jazz (IASJ) en Suisse (Juin 2009). En 2013 il déménage à Rome toujours en gardant un pied à terre sur Paris, où il fait partie du sextet Abhra dirigé par le saxophoniste Julien Pontvianne, élève comme lui au CNSMDP. Depuis son retour en Italie, il se fait rapidement connaître sur la scène musicale et il multiplie les collaborations avec des musiciens de la nouvelle génération mais aussi avec les grands figures du jazz italien: il intègre ainsi le quartet de Roberto Gatto, le quintet de Maurizio Giammarco « Halfplugged Syncotribe », le trio de Alessandro Lanzoni et de Enrico Intra; depuis 2018 il fait partie aussi de « Una Crepa »: un projet de danse et musique conçu avec Lucia Guarino et dans lequel Matteo explore les possibilités sonores de la contrebasse en jouant en solo avec deux danseuses. En 2015 il est élu « Top Jazz Meilleur Nouveau Talent Italien » par le critic poll de « Musica Jazz ». En tant que leader, Matteo a sorti 3 albums : ClarOscuro (CAM Jazz, 2018), Time Images (Auand, 2015) et Travelers (Zonedimusica, 2013) : ces deux derniers, accueillis chaleureusement par la presse française (« Révélation Jazzman », « Découverte Jazz News », « 4 étoiles Jazzmagazine ») et enregistrés avec son quartet franco/italien en compagnie de Antonin-Tri Hoang, Francesco Diodati et Ariel Tessier. La formation, active depuis 2008, a joué aux quatre coins du monde et développe un univers musical inspiré par la musique improvisée et les sonorités entêtantes du rock avant-gardiste en créant un itinéraire décomplexé, en permanente évolution. En 2019, suite à une commission reçue par les festivals Novara Jazz et Sudtirol Jazz, Matteo compose le répertoire qui fera partie de son disque No Land’s, paru en fin 2020 pour le label Auand avec Julien Pontvianne, Antonin-Tri Hoang, Yannick Lestra, Francesco Diodati et Ariel Tessier.

A native from Salzburg, Austria, Peter Kronreif is a New York based Drummer, Composer and Songwriter. He gained experience as a young player performing with jazz greats in the European scene while studying at Bruckner University in Linz with Doug Hammond and Jeff Boudreaux. Working with, amongst many others, Harry Sokal, Matthieu Michel, Martin Reiter, Johannes Enders & Alegre Correa brought him on tour in over 20 nations – and in 2010 he was awarded the Hans-Koller-Prize as “Sideman of the Year“. Kronreif moved to New York City that year as well and released his first record as a bandleader, “Gloaming”, with his group WAYFARERS. After a busy period as a sideman in NYC - working with with artists of different styles & genres such as the Le Boeuf Brothers, Allan Harris, Seamus Blake, Donny McCaslin, John Medeski, Thana Alexa, SK Invitational, John JR Robinson, Ray Angry - his second release “Aeronautics” was 10 years in the making and released in 2021 on “Fresh Sound New Talent”. Kronreif was awarded a MacDowell Fellowship in 2021 as well. He currently lives in Brooklyn.

Dès sa plus tendre enfance, Emilio s’intéresse à la guitare. Il prend des cours et en acquiert les bases. Pendant quelques années, c’est seul qu’il travaille son jeu et se découvre un réel amour pour la composition. Il voit deux de ses compositions figurer sur le CD produit par Hector Zazou « 17 musiques pour le bar bleu ». Il fait sa première expérience professionnelle de scène, comme choriste, au sein de la formation légendaire, Urban Sax, dirigé par Gilbert Artman. A 20 ans, Emilio entre au Conservatoire de Versailles et étudie l’harmonie et le contrepoint avec la compositrice Solange Ancona. Il intègre ensuite le CIM à Paris et y suivra les cours d’imirovisation et de technique à la guitare du musicien Pierre Cullaz. Il complètera sa formation à la faculté de musique de Paris VIII, à Saint-Denis, au contact de Max Hediguer (le contrebassiste de Claude Bolling et professeur d’harmonie dans le domaine du jazz). Il met sa créativité musicale au service de la jeunesse, en donnant des ateliers et des cours de guitare au Centre social Bernard de Jussieu à Versailles et passe ensuite son Capes. Il est, depuis 1987, professeur de musique. En parallèle, Émilio monte plusieurs formations musicales et décide de faire appel à des musiciens confirmés et de leur proposer ses compositions.

Après un cursus classique au Conservatoire et l’obtention d’un Certificat de Fin d’Etudes Musicales en piano classique, Manu décide d’aiirendre la guitare et la basse. Cette dernière devient vite son instrument de prédilection. Il explore tout le répertoire funk, soul, reggae, hip-hop, chanson… Après quelques années à découvrir l’instrument en autodidacte, il intègre le cursus jazz au Conservatoire du VIIème arrondissement de Paris et étudie l’harmonie jazz, le rôle d’une section rythmique, la contrebasse. C’est surtout un cours de percussions traditionnelles - appliquées à la basse - qui lui permet de développer l’horloge interne et l’assise rythmique. Également compositeur et arrangeur, il partage son temps entre l’enregistrement de ses propres compositions et les différents projets avec lesquels il collabore : Seïmani (basse électrique), Maïtagari (Synth Bass), Martine (basse & claviers), Neehna Quartet (Basse)…

A 15 ans, Yann comprend vite que la batterie deviendra son terrain de jeu. Il en apprend les bases de manière autodidacte et commence à jouer dans « Hexilia », avec son frère Eric, qui en compose les chansons. S’en suit, en 1992, son premier enregistrement chez Gérard Turban à Plaisir (78) et la sortie de leur première cassette. A 17 ans, il fait ses premières scènes: Fête de l’Humanité, Fête de la musique, différents bars et manifestations musicales. Yann Garot se forme à l’école de Musique de Bailly avec Christophe Pichon. En parallèle, il se produit dans un orchestre de reprises avec Jackie Rolland au chant, Bruce “stringkiller” à la guitare et Malek à la basse. Après quelques dizaines de concerts et des changements de musiciens, ils créent « Rick et les affranchis », un quatuor de chansons rock composé, d’Eric Garot, Noam Chabbi et Jean-Claude Jouffre. Ils réalisent plus de 350 dates dans l’Hexagone et 4 albums, dont un, co-produit par Franck Marchall (créateur du Paris jazz Festival). En parallèle, il s’intéresse à la pédagogie de la batterie, rencontre Emilio Antuofermo et travaille durant treize ans sur des spectacles de percussions pour enfants à ses côtés. En 2015, ils décident de créer « Seïmani » et c’est avec le bassiste Manu Tovski que le trio jazz fusion prendra son envol. En 2020, il produit des capsules pédogogiques de vidéos de batterie, qu’il regroupe dans un blog, « Drumrythm », qui centralise ses propositions de vidéos et partitions à la demande.

Max Zita accompagnera Miss Nanie à la guitare en guest sur des morceaux Gospel .C’est l’un des précurseurs du mouvement Gospel en France .Il est chef de chœur de Max Zita et Gospel Voices et de plusieurs chorales Gospel en France. Max Zita et Gospel Voices ont croisé la route d’artistes de renom : Liz McComb, Nicoletta, Johnny Hallyday, Christophe Maé, Lara Fabian et bien d’autres… Il est aussi chanteur, compositeur et arrangeur. C’est lui que Frédéric Lopez a choisi pour diriger des choristes et être coach vocal dans son émission “La Folie passagère” diffusée quelque temps sur France 2.

Miss Nanie chante depuis son enfance influencée par l’écoute du jazz et de la chanson française par ses parents .Apres une formation classique au conservatoire et une expérience au sein de chorales aux répertoires variés (avec des concerts au Casino de Paris ou au Cirque d’Hiver Bouglione), elle découvre le Gospel.
Elle intègre différents groupes et se produit notamment au Bataclan, Théâtre de Ménilmontant et Théâtre du gymnase. Elle va même en Louisiane à la Nouvelle Orléans pour chanter cette musique dans son berceau originel dans les églises et même dans la prison haute sécurité Angola. Elle devient par la suite soliste au sein du groupe Max Zita et les Gospel Voices et fait de nombreuses scènes dont l’Olympia en 2019 et de nombreux plateaux télés (incroyable talents sur M6, la folie passagère sur France 2, les 300 chœurs)
Miss Nanie est aussi auteur compositeur interprète à la SACEM. Depuis son adolescence, elle écrit des textes en français pour exprimer ce qu’elle ressent .Elle décide un jour de les mettre en musique et de les chanter. Un projet d’EP est en cours.

Issu d’une famille de musiciens, Florian commence le piano à 6 ans en conservatoire, tout de suite avec le jazz. Après 9 ans d’apprentissage au côté de son professeur Pierre Carrié, il quitte le conservatoire à ses 17 ans pour l’Amercican School of Modern Music. Diplômé en 2021, forgé par sa formation et de nombreuses rencontres, il intègre certains groupes de jazz parisien. (Adrien Wass, Lou Teixeira, Damien Vasic Trio…)

Mélanie débute sa formation musicale à 4 ans en piano classique. Elle se forme quelques années en chant dans différents contextes musicaux, et débute la batterie à l’âge de 12 ans. Elle continue sa formation en jazz à l’American school of Modern Music de Paris -qui lui donnera les clefs pour composer sa musique- puis à l’école Emmanuel Boursault. Aujourd’hui, son jeu batteristique est empreint d’influences jazz, fusion ou rock telles que Bill Stewart, Gary Novak, Gavin Harrison ou plus récemment Raphaël Pannier.

Nicolas Conesa, guitariste, a d’abord fait ses études à Science Po avant de définitivement revenir à la musique en intégrant l’American School of Modern Music. Au sein de l’école, il développe sa passion pour l’improvisation et la composition. Il nourrit sa musique (notamment son trio Trio For Echo) de ses expériences de side-man, de compositeur, de directeur artistique dans les nombreux projets auxquels il participe. Dans le projet de Lou Teixeira il partage le rôle de compositeur avec la chanteuse et son univers jazz et rock rencontre les origines fadistes et pop de Lou.

Originaire de St-Brieuc, Rémi Chabanel commence la basse en 2013. Après avoir étudié le jazz au conservatoire de St-Brieuc, il passe par l’American School of Modern Music à Paris. Il cite parmi ses plus grandes influences par Louis Cole, Mononeon, Red Hot Chili Peppers, Earth Wind and Fire…

The Bulgarian-born New York City based singer-songwriter isn’t afraid of starting anew. During the early 90s, in hardship of post-Communist Eastern Europe, Bulgaria underwent extreme financial collapse and so Ruth’s father, who is an Olympian and twice World weightlifting champion left for the Far East to seek new opportunities.

Little did she know while taking in the colorful sights and sounds of India, Thailand and Bahrain, she was growing up without a mother and separated from her twin brother, that music would later become her oxygen.
Her rebellious personality and bourbon-like voice helped her rise to stardom back in her homeland and while steadily working to hone her raw musical gifts, she developed into a genre-defying powerhouse artist, effortlessly channeling soul, drum and bass, R&B and indie-pop influences.

Early in her career, she showcased her unique style through gigs at local venues and did a brief stint at the Hollywood Pop Academy. Her debut album RUTH scooped the top prize at the Bulgarian Radio Awards in 2014 and sold thousands of copies in Japan, with hit-making producer Mark Ronson declaring it “amazing”.

In just a few years, Koleva has become a national Bulgarian treasure and continues to expand her fan base internationally. She has shared the stage with legends like jazz vocalist Bobby McFerrin, enigmatic trip hop icon Tricky, dub legend Mad Professor, wooed kindred spirits like N’Dambi and Frank McComb and performed five sold-out concerts at Bulgaria Hall with the Sofia Philharmonic Orchestra.

Released in 2018, Koleva’s previous album Confidence.Truth offered fans a deeply personal collection of songs influenced by Ruth’s connection to soul and jazz. It was produced by one of LA’s finest, Kan Wakan and bolstered by a tight band of musicians including Ron Avant (The Free Nationals/Anderson Paak) and Jameel Bruner (Thundercat, and formerly of The Internet), Gene Coye (Flying Lotus) and the full orchestra of Sofia Philharmonic.
Ruth never gave up on her dream of pursuing her music career in the United States and after overcoming incredible obstacles in obtaining the proper work visa she landed in the Big Apple Fall 2019. As plans for the release of her forthcoming album were underway, the pandemic struck. Rather than cower in the face of uncertainty, Ruth decided to activate her resilience and focus on affecting positive change by raising awareness to causes she champions such as LGBTQ+ rights, equality for all, domestic violence and mental illness.

So much of her success has been celebrated, but what shaped her and is most meaningful are not the awards and accolades. These days she’s more focused on “what lies in the shadows, rather than in the spotlight”.

Dele c’est un surnom d’enfance qu’elle a repris, une manière de rester connecté à son âme d’enfant. Et puis Ka, c’est pour Kafando, le nom de jeune fille de sa mère. Un clin d’œil à ses racines burkinabés.
En parlant d’”ailleurs”, c’est justement au cours d’un voyage d’un an et demi, dans le Pacifique et l’Amérique du sud, qu’elle décide de se consacrer à sa musique. Elle avait toujours rêvé de voyager. Ce périple autour du monde changea son regard sur elle-même. Se confronter à l’étranger, la confronte finalement à elle-même. Depuis adolescente, c’est en chantant qu’elle s’exprime le mieux, alors elle recommence à écrire des chansons. Comme une nécessité de raconter, de partager ce qu’elle a récolté en route.
Dele Ka c’est un voyage intérieur, une plongée dans l’océan, ses profondeurs, sa violence et sa douceur. Il y a quelque chose de réconfortant dans ce qu’elle chante. Et surtout de joyeux. La joie d’avoir trouvé les mots même quand ils sont salés. Et l’ivresse de les mettre en musique et de la partager.

Le Quartet de Rémy Gauche est né en 2013 avec un premier album, Nature Urbaine, salué par la presse et
consacré “révélation” par Jazz Magazine. Comme pour tout nouveau groupe, la convergence des forces et
des inspirations est source d’une créativité tumultueuse parfois difficile à canaliser. Pour ce premier opus du
Quartet, Rémy fait appel à un Directeur Artistique expérimenté: Stéphane Guillaume.
Il contribuera à cimenter cette tectonique de styles, où les énergies se bousculent pour créer de nouveaux
paysages bien apaisés.
Dans une époque riche de diversité et de technologie, saisir la modernité musicale est essentiel. Le deuxième
album Obscurity of light, s’inscrit dans ce mouvement autour d’une inspiration plus électrique. L’entité
musicale s’incarne et s’affirme. Le quartet invite Pierre de Bethmann qui à l’image de l’album joue une main
sur le piano, l’autre sur le Fender Rhodes.
Cette construction où chaque musicien apporte une composition autour du répertoire de Rémy Gauche est
née. Elle définit une quête d’identité encore plus forte. Le quartet est prêt pour aller plus loin. Ce voyage
ascensionnel s’appelle Gravity.

Rémy Gauche est un guitariste toulousain qui s’installe à Paris pour étudier au CIM en 2000. Il obtient ensuite son DEM Jazz au conservatoire d’Orsay puis est reçu au Conservatoire d’Amsterdam. Son diplôme hollandais en poche et lauréat de la prestigieuse bourse franco-américaine Fulbright, Rémy s’envole pour étudier à la New School for Jazz and Contemporary Music à New York en 2008. Cela lui donne l’occasion de se perfectionner auprès de légendes vivantes du Jazz comme Reggie Workman, Joe Chambers, Donny McCaslin, ou encore Peter Bernstein et Christian McBride. De retour à Paris, Rémy Gauche lance son 1er album en 2010, Panamsterdam, enregistré avec Thomas Savy, Stéphane Kerecki et Anne Paceo. Il participe également à l’album Flor de Març de Bastien Ribot. C’est pour son 2ème album Nature Urbaine paru en 2013 avec Stéphane Guillaume en invité que Rémy constituera en partie son quartet actuel. L’album est estampillé « Révélation » par Jazz Magazine et connaît une large diffusion sur les antennes de Radio France et TSF Jazz. Son 3ème album Obscurity of Light est sorti en mai 2018 et illustre un aspect plus électrique de sa musique avec notamment Pierre de Bethmann en invité.